La Galerie Lucas Ratton, en collaboration avec la Galerie Dina Vierny, organise cet été à Gassin la plus importante exposition consacrée au sculpteur Robert Couturier depuis 2005. Réunissant vingt-deux sculptures dans le jardin et une dizaine d’œuvres en intérieur, ll met son travail en dialogue avec des œuvres d’Afrique et d’Océanie, révélant des correspondances formelles et poétiques inattendues, un dialogue d'autant plus naturel que Couturier possédait lui-même quelques objets d'art.

Aux côtés d’Alberto Giacometti et de Germaine Richier, ses parfaits contemporains, Robert Couturier incarne l’une des trois grandes voies de la sculpture française de l’après-guerre. Là où Giacometti donne à ses figures une dimension existentielle, grave et tragique, où Richier invente un univers peuplé de corps hybrides, parfois monstrueux, Couturier répond par une sculpture profondément humaine, légère et poétique, souvent traversée d’un humour discret. Ensemble, ils renouvellent radicalement la sculpture figurative au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, chacun empruntant une voie singulière.

Formé à la lithographie avant de se consacrer pleinement à la sculpture, Couturier s’inscrit d’abord dans la lignée d’Aristide Maillol, dont il fut le praticien et qu’il admirera toute sa vie. Il connaît un premier succès avant-guerre avec Le Jardinier, installé sur l’esplanade du Trocadéro à l’occasion de l’Exposition internationale de 1937, qui lui permet de construire une maison-atelier située villa Seurat, à Paris où il vivra toute sa vie. Invité à trois reprises à la Biennale de Venise, son œuvre connaît progressivement une reconnaissance internationale, du Japon au Canada, et de grandes rétrospectives lui sont consacrées au Musée Rodin (1970), à la Monnaie de Paris (1975) et au Musée Maillol (2005).

Couturier est notamment considéré comme l’inventeur de la sculpture allusive. Là où cet art avait traditionnellement pour vocation d’occuper l’espace, il fait du vide une matière à part entière, laissant circuler le regard au cœur même de ses figures. Son œuvre recherche sans cesse l’équilibre entre présence et légèreté, entre construction et disparition. Il résumait d’ailleurs son ambition en une idée très simple : « Ma grande joie est d’évoquer le plus d’humanité possible en cherchant les moyens les plus réduits et les plus simples de la matière ».

Couturier définissait son œuvre comme de l’« anti-sculpture », voire de l’« anti-Maillol ». Non par opposition à son maître, qu’il admirait profondément, mais parce qu’il cherchait à prendre le contre-pied de la sculpture traditionnelle. Là où Maillol construisait des volumes pleins, denses et charnels, Couturier dessine l’espace, laisse circuler le vide et suggère davantage qu’il n’affirme. Ses figures semblent parfois tenir en équilibre, bricolées avec une économie de moyens revendiquée, comme si elles étaient davantage une idée de sculpture qu’une sculpture elle-même. Cette définition en creux de la sculpture l’amène à créer une sculpture du vide, où l’absence de matière devient aussi importante que la matière elle-même. Cette manière de s'éloigner du réalisme n'est d'ailleurs pas sans rappeler l'art africain, qui lui aussi se détourne de l'imitation fidèle pour aller vers des formes plus brutes et essentielles.

Son regard sur les objets du quotidien, proche de Miró ou Picasso, participe également de cette liberté d’invention. Une gouttière coupée en deux devient ainsi un Soldat par son aspect hiératique, un cône récupéré se transforme en Femme qui marche, une forme de savon donne naissance à une étonnante femme assise, tandis que des planches de bois donnent naissance à des Jumeaux. Cette porosité entre l'objet ordinaire et l'œuvre trouve, là encore, un écho dans l'art africain, où le quotidien occupe une place centrale et où les frontières entre le rituel et le profane demeurent souvent floues, voire inexistantes.

L’exposition offre ainsi une véritable traversée de son œuvre. Les sculptures présentées dans le jardin couvrent près d’un demi-siècle de création, de 1944 à 2000, permettant de suivre l’évolution d’un artiste qui, tout au long de sa très longue vie — cent trois ans —, n’a cessé de renouveler son vocabulaire plastique tout en restant fidèle à cette quête essentielle : faire naître, avec une économie de moyens remarquable, une sculpture profondément vivante, libre et humaine.